Sanat Dönemleri Serisi’nin bu içeriğinde postmodernist sanatı; modern, çağdaş sanat gibi kavramların ışığında ele alacağız. Postmodern sanat, modernizmin yerini alarak çağdaş sanatın da yolunu açmıştır denilebilir. 20. yüzyılın ortalarında ortaya çıktı ve erken dönemlere ve yerini çağdaş sanata bırakana kadar sürdü. Sanat tarihinin her döneminde olduğu gibi postmodernizm için de net bir tanımını vermek kolay değildir. Bununla birlikte, yinelenen bazı nitelikler bu sanat tarzını karakterize edecektir.
Öncelikle Postmodernist sanatın ne olduğunu anlamak için modern ve çağdaş sanatın ne olduğuna bir bakalım. Modernizm 1860-1970 yılları arasında üretilmiş sanat eserlerine damgasını vuran bir temadır denilebilir. Eskiyi bir kenara bırakmak, yeniyi kucaklamak, yeni bakma biçimleri deneyimlemek gibi sanata yeni bir yön katılmıştır. Sanayi Devrimi’nin bu akım üzerinde oldukça yoğun bir etkisi olmuştur; özellikle Kuzey Amerika ve Batı Avrupa’da üretimin, ulaşım ve teknolojilerin ani bir hızla değişimi bireylerin hayata bakış açılarında da yenilikler kazandırarak sosyokültürel şartları değiştirmiştir. Çağdaş sanat ise genel bir tabirle, bugün yaşayan ve çalışan sanatçılar tarafından üretilen sanatı ifade eder.
İnsanlar bu dönemde kırsaldan şehirlere göç etmeye ve yeni hayatlar inşa etmeye başlamıştı. Fotoğrafın icadı da resim sanatının bir kimlik krizine girmesine yol açmıştı. Artık, zengin patronlar için yapılan aşırı süslü ve detaylı, mitolojik ya da dini sahneler eski önemini yitirmişti. Modern dönemdeki sanatçılar, radikal ve ileri görüşlü bir yaklaşımı, teknolojik pozitivizmi ve Batı egemenliğiyle ilerlemesinin anlatıları tarafından yönlendirilmekteydi. Modern sanat aynı zamanda yoğunlukla sanatçının ilişkisinin bulunduğu insanların, mekanların ve fikirlerin de sanatıdır. Sigmund Freud‘un Rüyaların Yorumu adlı eserinin 1889 yılında yayımlanışıyla beraber; sanatçılar iç dünyalarına dönerek öznel deneyimlerini yansıtabilecekleri rüyalar, sembolizm ve ikonografi konulara merak salmaya başladılar.
I. Dünya Savaşının sonlarını takip eden yıllarda bu umutsuzluk ve dehşet ortamında modernizme karşıt bir hareket belirir ve geleneksel sanatı benimseyen bir trend oluşur. Örneğin Picasso Kübizm’den uzaklaşarak Rafael ve Ingres gibi isimlerin ışığında Neoklasik tarzda eserler üretmeye başlamıştır.
20. Yüzyılın ortalarına gelindiğinde ise, iki yıkıcı dünya savaşı, kaybedilen milyonlarca hayat, parçalanan komünist ideolojiler ve kullanılan nükleer silahlarla beraber Batı dünyası büyük bir paradigma değişikliği yaşadı. Savaş öncesi dünyaya hakim olan modernist iyimserlik artık modası geçmiş ve başarısız olmaya mahkum görünüyordu. Teknoloji insanların acımasız biçimlerde ölümlerine sebep olarak bu hayatın yıkıcı ve tahrip edici yanlarını kaçınılmaz biçimde öne çıkarmaktaydı ve dönemin baskın teması bir umutsuzluk havasıydı.
Avrupa artık modern sanatın ya da avangardın merkezi değildi. Sanat dünyasının odak noktası şimdi New York şehrine ve savaş sonrası yeniden canlanan kapitalizmin yeni çağında gelişen Soyut Dışavurumculara kaymıştı. Bu grup aynı zamanda, Greenberg tarafından 19. yüzyıldan beri tüm sanatın karşı konulmaz bir şekilde hareket ettiği yüksek bir sanat olarak sıkıca desteklenen hareketle, modernizmle tanımlanmaktaydı. Bu arada 1950’lerde Amerika, fırtınalı bir siyasi iklimin yanı sıra tüketimci ve kültürel bir patlama yaşıyordu. Soyut Dışavurumculuk ana akım bir hareket haline geldiğinde, genç sanatçılar onu hem dünyanın durumuna hem de sanatçılarının bir parçası olduğu gelişen popüler kültüre referans eksikliği nedeniyle sorgulamaya başladılar. Jasper Johns ve Robert Rauschenberg gibi sanatçılar, bu duygularla ve günlük yaşamı içeren bir sanat yaratma arzusuyla motive olarak, kendilerini çevreleyen kitle kültüründen ödünç alınan ve görüntüleri yeniden yaratan yeni stiller denemeye başladılar. İlişkilendirilecekleri Neo-Dada tarzı, muhtemelen gerçekten postmodern sanat hareketlerinin ilkiydi.
“Yüksek kültür”, resim ve heykel gibi geleneksel güzel sanatları tanımlamak için kullanılan bir terimdir. Terim, sanat eleştirmenleri tarafından sınıf, kalite ve özgünlüğü çağrıştırmak için yaygın olarak kullanılmaktadır. Aynı zamanda terim; sanat medyası türlerini ve disiplinleri, savaş sonrası tüketim patlamasında Amerika’yı kasıp kavuran “düşük“, “kitsch” veya kitlesel olarak üretilen meta, dergi, televizyon yayınlarının ve ucuz kurgunun popüler kültüründen ayırmak için kullanılır.
Postmodernist sanat 1960lı yıllarda ortaya çıkan trendlerin genel başlığı olarak tanımlanabilir. Sanat kavramı içeriksel anlamda genişleyerek içerisine medya formlarını, kavramsal açıları, montajı, videoyu da dahil etti. Bu dönemde brikolaj, kolaj, performans sanatı, Minimalizm gibi birçok dallanmaya şahit olundu. Yüksek sanat, alçak sanat, popüler kültür gibi kavramların ayrımları bulanıklaştı, özgünlük ve orijinallik kavramlarının içleri adeta oyuldu ve görüntü ve gösteriye yapılan vurgu arttı. Modern sanatta görmenin mümkün olmadığı bir biçimde tüm bu unsurlar birbirlerine yaklaştılar.
Özellikle popüler kültür unsurlarının dahil edilmesiyle yüksek ve düşük sanat arasındaki ayrımları yıkma fikri, kökleri 19. yüzyılın sonlarında ve 20. yüzyılın başlarında, yelpaze üzerine resim yapan Edgar Degas‘ın çalışmalarında ve daha sonra Pablo Picasso‘nun tuvallerine sık sık popüler şarkıların sözlerini eklediği Kübizm’de de bulunan postmodernizmin kilit bir unsuruydu. Herhangi bir estetik eğilim olmaksızın da sanat nesnesinden beğeni sağlanabileceği ve zevk alınabileceği fikri, sanatsal değer kavramını derinden sorgulatmaktadır.
Cindy Sherman
Cindy Sherman kırk yıldır, sanatın, ünlülüğün, cinsiyetin ve fotoğrafçılığın görsel ve kültürel kodlarıyla oynayarak kimliğin inşasını araştırmaktadır. Sherman, her zaman farklı kimlikleri denemekle ilgilendi. Bir defasında, “Keşke her günü Cadılar Bayramı olarak değerlendirip giyinerek eksantrik bir karakter olarak dünyaya çıkabilseydim.” demişti.
Bu siyah beyaz fotoğraf, 1950’lerden büyük şehrin gökdelenleri tarafından çerçevelenmiş genç bir kadını gösteriyor; ifadesi belirsiz – kısmen kararlı, kısmen endişeli. Dönemi elbisesinden tanıyoruz ve bunun gördüğümüz bir filmden bir kare olup olmadığını merak ediyoruz. Bu görüntü, hem fotoğrafçı hem de özne rolünü üstlenerek parçalanmış postmodern kimlik kavramıyla oynayan Cindy Sherman’ın ilk fotoğraf serisinin bir parçasını oluşturuyor. Her çekimde, farklı dönemlerden farklı ortamlarda bir oyuncu olarak poz vererek, hepsi de belirli bir filmden gelmese de izleyicinin tanıyabileceği ve özdeşleşebileceği bir zaman veya tür anı uyandıracak şekilde tasarlanmıştır. Dolayısıyla bunlar, referansı olmayan, filozof Jean Baudrillard’ın gerçeği tanımlamanın imkansız olduğu “hiper-gerçek” toplum kavramını yansıtan simülasyonlar veya işaretler olarak var olurlar. Sherman’ın fotoğrafları, özgünlükten yoksun olmaları ve akışkan bir kimliğin temsili yanı sıra tarihi tarzları ödünç almaları bakımından postmoderndir.
Postmodernizm, modern dönemde benimsenen ana anlatıların sorgulanmasıyla ayırt edilebilir; en önemlisi, tüm ilerlemelerin – özellikle teknolojik olanların – olumlu olduğu fikridir. Postmodernistler, bu tür anlatıları reddederek, bilginin veya tarihin teorileri toplayarak kapsayabileceği, bunun yerine yerel, olası ve geçici olanı kucaklayabileceği fikrini reddederler. Postmodernistler tarafından reddedilen diğer anlatılar, amaç odaklı olarak sanatsal gelişme fikrini, yalnızca erkeklerin sanatsal dehalar olduğu fikrini ve beyaz olmayan ırkların daha aşağı olduğu yönündeki sömürgeci varsayımı içerir. Bu nedenle, kabul edilmiş düşünme biçimlerine meydan okuyan Feminist sanat ve azınlık sanatı, genellikle postmodernizm başlığı altında yer alır veya onun temsilleri olarak görülür.
Barbara Kruger
Kruger, bulunan bir fotoğrafın yüzeyine doğrudan ve kısa bir resim yazısı yerleştirdiği serigrafi baskılarıyla tanınır. 1980’lerdeki baskıları, özellikle ”Satın alıyorum, öyleyse varım.” (1987) adlı çalışması, alışveriş merkezi nesli tarafından ironik bir şekilde mantra olarak benimsendi. Kruger’in kariyeri ilerledikçe, çalışmaları sosyal, kültürel ve politik eleştiride sağlam bir temel korurken, video ve ses çalışmalarına doğru genişledi. 1990’lardan bu yana, çatışmacı ifadelerini ve görüntülerini sanat dünyasından tamamen farklı bir alana dahil ederek dergi tasarımına da geri döndü. Kavramsal sanatın yanı sıra Postmodern Feminist sanatla da ilişkili olan Kruger, izleyiciyle iletişim kurmak ve çağdaş koşulların sorgulanmasını teşvik etmek için karakteristik zekası ve doğrudan yorumuyla temellük etme gibi taktikleri birleştirir.
Postmodernizm, bir sanat eserinin doğasında var olan tek bir anlamın olduğu veya bu anlamın sanatçı tarafından yaratılış anında belirlendiği fikrine tepki gösterirler. Bunun yerine, izleyici önemli bir anlam belirleyicisi haline gelir, hatta bazı performans parçalarında olduğu gibi bazı sanatçılar tarafından esere katılmasına izin verilir. Diğer sanatçılar, işi yaratmak veya tamamlamak için izleyici müdahalesi gerektiren işler yaratarak daha da ileri gidebilirler. Marina Abramovic, bunun en bilindik örneğini ”Ritim 0” adlı performasında gerçekleştirmiştir. Sanatçı altı saatlik bir performans sanatı; hareketsiz durmasını ve seyircinin elindeki 72 nesneden birini kullanarak ona istediklerini yapmaya davet edilmesini içeriyordu.
Gerhard Richter
Gerhard Richter, Alman bir görsel sanatçısıdır. Richter, fotogerçekçi resimlerin yanı sıra soyut resimler ve ayrıca fotoğraflar ve cam parçalar üretmiştir. Aslen realist bir yönde eğitim almış ve daha sonra Amerikalı ve Avrupalı çağdaşlarının daha ilerici çalışmalarına yönelerek kendi tarzını geliştiren bir Alman ressamdır.
Richter, “gerçeği” yakalar gibi görünen görüntülerin, daha derin bir bakışla, başlangıçta varsayıldığından çok daha az nesnel veya anlam açısından belirlenmiş olmadıklarını araştırmak için resimlerini kullanır. Çalışmalarındaki diğer ortak temalar, şans unsurları ve gerçekçilik ile soyutlama arasındaki oyunlardır. Soyut Dışavurumculuk, Amerikan/İngiliz Pop sanatı, Minimalizm ve Kavramsalcılık gibi 20. yüzyılın sonlarına ait sanat akımlarının hızlı ardışıklığını hiçbir zaman tam olarak benimsememekle birlikte, birlikte çalışan Richter, tüm büyük sanatsal ve felsefi düşüncelere şüpheyle yaklaşırken, fikirlerinin çoğunu özümsemiştir.
Gilbert & George
Gilbert Prousch ve George Passmore, ortak sanat ikilisi Gilbert & George olarak birlikte çalışan iki sanatçıdır. Performans sanatında kendilerine özgü ve son derece resmi tarzlarıyla ve ayrıca parlak renkli grafik stili fotoğraf temelli sanat eserleri ile tanınırlar. 2017 yılında sanatçılar 50. yıldönümlerini kutlamışlardır.
Cin tonik, 1971’de Gilbert ve George’un tercih ettiği içecek oldu. Gordon’s’u seçtiler çünkü onlara göre ‘en iyi cin’ oydu. Bu film için, Kraliyet armasının her iki yanında şişenin etiketine isimlerini eklediler. Sanatçılar bir masada oturmuş, Elgar ve Grieg’in film müziği eşliğinde sarhoş olarak gösteriliyor. Cansız ifadeleri ve ‘Gordon’un bizi çok sarhoş ettiğini’ tekrar tekrar beyan etmeleri, ironik bir şekilde kimliği, milliyeti ve ‘iyi davranışı’ sorgulayan absürt bir sahne yaratmakta.
Popüler kültür sanatçıları, tüketimin gündelik nesnelerini yeniden yarattılar, ancak bunları devasa hoş ve hafif biçimlere (Claes Oldenburg) veya kültürel simgelere (Andy Warhol) dönüştürmek için mizah ve ironiyi kullandılar.
Claes Oldenborg
”Ben, bir müzede sadece oturmaktan daha fazlasını yapmakta olan politik-erotik-mistik bir sanattan yanayım. Claes Oldenburg”
Andy Warhol
Minimalistler ise endüstriyel üretim hattını anımsatan tekrarlayan formlar yaratmak için endüstriyel malzemeler kullandılar. “Popüler” birçok sanatçının hem konusu hem de aracı olarak ortaya çıktı ve ticarileşme benimsendi. “Düşük” kültüre yapılan bu odaklanma, sanatın tanımını genişletirken, aynı zamanda sosyal eleştiriyi de mümkün kıldı.
Kaynakça:
Yılmaz, M. (2013) Modernden Postmoderne Sanat. Ankara: Ütopya Yayınevi.Çetin, N.
İnternet Kaynakları:
https://www.thecollector.com/contemporary-art/
https://www.theartstory.org/definition/postmodernism/
https://www.tate.org.uk/art/artworks/gilbert-george-gordons-makes-us-drunk-t01703
