19. yüzyılın ortalarında, Estetik hareket, Britanya’nın Viktorya dönemi geleneklerine karşı çıkan ve duyumsal bir sanat anlayışını benimseyen bir akım olarak ortaya çıktı. “Sanat için sanat” prensibini savunan bu akım, müzikten edebiyata, iç tasarımdan modaya kadar gündelik hayatın her alanına etki etti. Sanatın bir ders vermesi gerektiğini savunan sanat geleneğine bir tokat niteliğindeydi. Hareket, sanat ve edebiyattan ev dekorasyonuna ve modaya kadar hayatın her alanında güzellik yaratmaya adanmış ve yeni bir stil sadeliğini benimseyen bir külte dönüştü.
Estetizm hareketi 1860’larda William Morris ve Dante Gabriel Rossetti‘nin de aralarında bulunduğu radikal bir grup sanatçı ve tasarımcının stüdyo ve evlerinde küçük bir şekilde başladı. Bunlar, 1851 Büyük Sergisi’nden (Great Exhibition) ortaya çıkan çağın katı tasarım standartlarına meydan okuyarak yeni yaşam biçimlerini araştıran öfkeli genç reformculardı. Sonraki yirmi yıl içinde giderek saf güzelliğe adanmış bir hareket yaratmak için mimarları, zanaatkârları, şairleri, eleştirmenleri ve filozofları kendine çekti. Estetik hareket, 19. yüzyılda İngiltere’nin materyalizmiyle keskin ve bazen de şok edici bir tezat oluşturuyordu.
Estetizm hareketi, ahlaki kısıtlamalardan ziyade güzellik ve kendini ifade etmeyi yüceltti. Yaratıcılığı ve duygusallığı teşvik ederek takipçilerini heyecanlandırdı, ancak aynı zamanda muhafazakar Viktorya dönemi toplumu tarafından alay konusu oldu. Aşk acısı çeken bir hüzün ve acı dolu hayallerden zevk alan bir sanat biçiminde adeta bilinçli bir kasvet vardı. Orta- Viktorya döneminin içtenliğinden ve neşesinden kaçınıyordu. Bu bir karşı kültürdü.
Estetik sanatçılar, Viktorya dönemi materyalizmine ve makinelerle üretilen “ruhsuz” ürünlere karşı çıkarak, sanatta üstün kaliteli emeğe önem verdiler ve endüstri öncesi teknikleri canlandırdılar. Sanatı ahlaki ve sosyo-politik mesajlardan kurtararak “sanat için sanat” ilkesini benimsediler, güzellik arayışında renk, biçim ve kompozisyonu keşfetmeye odaklandılar. Viktorya döneminin detaylı ve gösterişli tarzına karşı, Estetik sanat hafifletilmiş renkler, geometrik tasarımlar ve basit doğrusal formlarla karakterize edildi. İlham kaynakları arasında Ön-Rafaelit resimlerinin kızıl saçlı güzelleri, Ortaçağ geometrik tasarımları ve Japon motifleri vardı.
Estetik Hareketi, sanatın resim, heykel ve mimariyle sınırlı kalmaması, günlük yaşamın bir parçası olması gerektiğini savunmuştur. Bu amaçla Estetizm sadece “yüksek” sanatları değil, aynı zamanda seramik, metal işleri, moda, mobilya yapımı ve iç mekan tasarımını da kapsıyordu.
Estetik Hareketin Kökleri
1851’deki Great Exhibition, Britanya’da görsel sanatlar için bir dönüm noktası oldu. Etkinlik, fotoğrafçılık da dahil olmak üzere önemli yenilikleri sergilemiş olsa da, sergilenen eserlerin çoğu Viktorya döneminin gösterişli ve sığ tasarım tarzına uyuyordu. Daha da kötüsü, ünlü eleştirmen John Ruskin’e göre tasarımın insansızlaştırılması anlamına gelen yaratım sürecinin giderek makineleşmesiydi. Bu öngörülebilir, tekrarlayan tasarımlar, eserin kalitesinden çok iletilen ahlaki mesaja önem veren katı Viktorya dönemi sanat standartlarıyla birleşince, pek çok sanatçının kaçmak için can attığı boğucu bir ortam ortaya çıktı.
Ön-Rafaelitler
Büyük Sergi’nin sona ermesinden kısa bir süre sonra, bir grup sanatçı yeni ve daha sade bir estetik yaratmaya başladı – Ortaçağ sanat ve tasarımının karmaşık detaylarından ve yoğun renklerinden ilham alan bir estetik. Pre-Raphaelite Brotherhood olarak adlandırılan grubun sanatı, kısmen John Ruskin’in olumlu eleştirileri sayesinde 1860’larda popülerlik kazandı. Grup daha sonra, aralarında William Morris ve Edward Burne-Jones’un da bulunduğu genç sanatçıların Dante Gabriel Rossetti‘ye katılarak bir “Güzellik Kültü” yaratmaları ve Estetizm’in temelini atmalarıyla bölündü. Rossetti’nin dökümlü elbiselerle süslenmiş, iri gözlü ve alev alev yanan kızıl saçlı kadın portreleri, Viktorya dönemindeki korsesiz, kızıl saçlı kadınlarla cinsel ahlaksızlık arasındaki çağrışıma meydan okuyan yeni bir kadın güzelliği idealini ortaya koydu. Bu yeni güzellik anlayışı, sonunda Estetik hareketinin önemli bir motifi haline geldi.
Japon Etkisi
1854’te Japonya’nın yabancı güçlerle ticaret yapmaya başlamasıyla, Japon ürünleri İngiliz pazarına akın etti. Sanatçılar ve tüketiciler, Japon estetiğinin stilize organik motifleri, dairesel tasarımları ve geometrik desenleriyle büyülendi. Bu sadelik ve zarafet, Viktorya dönemi tasarımlarının kalabalık ve yoğun yapısına keskin bir zıtlık oluşturdu. İngiliz tüketiciler Japon paravanları, yelpazeleri ve porselenleri toplamaya, mobilyalarını Japon lake cilası taklit ederek abanoz boyamaya başladılar. Ressam James Abbott McNeill Whistler ve tasarımcılar E.W. Godwin ve Christopher Dresser gibi isimler de bu estetikten ilham aldılar. Böylece, Estetik hareket içinde Anglo-Japon tarzı olarak bilinen yeni bir stil gelişti.
Sanat için Sanat
Estetik hareketi sanatçıları, Ön-Rafaelit öncülleri gibi görsel kompozisyona büyük önem verdiler, ancak anlatı içeriğinden kaçındılar. Amaçları, bir ruh hali uyandırmak, renk uyumunu keşfetmek ve üstün işçilikle karmaşık detayları yeniden bulmaktı. Antik Yunan, Japon ve Ortaçağ sanatından ilham aldılar ve Theophile Gautier’nin “sanat için sanat” sloganını benimsediler. Bu yaklaşım, sanatın konunun önemine veya gerçekçi tasvirine göre değil, kendi kriterlerine göre değerlendirilmesi gerektiğini savunuyordu. Walter Pater, “Studies in the History of the Renaissance” (1873) adlı eserinde sanatın estetik deneyiminin önemini vurguladı ve Estetik hareketin önemli seslerinden biri oldu. Pater’e göre, sanat en yüksek kalitede anlar barındırır ve sadece bu anlar için var olur.
James Abbott McNeill Whistler
James Abbott McNeill Whistler, Paris ve Londra’daki büyük sergiler tarafından reddedildikten sonra tartışmalara yol açan “Beyaz Senfoni, No. 1: Beyaz Kız” adlı eseriyle tanınan Estetik Akım’ın önde gelen sanatçılarından biriydi. Resmin basitliği, Whistler’ın reddettiği şekilde edebi bir bağlantı arayan Viktorya dönemi seyircisini şaşırttı. Genellikle müzik temalı olan sonraki çalışmaları, hikaye anlatmaktan ziyade ruh hali ve güzelliği çağrıştırmaya odaklandı.
James Whistler, Noktürn: Mavi ve Altın – Eski Battersea Köprüsü
Eser, Thames Nehri üzerindeki Battersea Köprüsü’nün gece görüntüsünü tasvir eder. Ahşap köprü, zamanla modern bir köprüye dönüşmüştür. Resimde, nehrin üzerindeki sis, uzaktaki binaların belli belirsiz ışıkları ve gökyüzündeki havai fişekler görülür. Gerçekçi tasvirler yaratmaktan ziyade yatıştırıcı bir renk palete sahip sanatçı James Abbott McNeill Whistler, yumuşak fırça işçiliği ve formların uyumuyla duygusal tepkiler uyandırmayı amaçlamıştır.
Whistler, Japon ukiyo-e ressamı Katsushika Hokusai’nin hayranıdır ve köprüyü Hokusai’nin Fukagawa’daki Mannen Köprüsü Altında adlı tablosuyla kompozisyon açısından benzer şekilde oluşturmuştur. Japon estetiğinin özelliklerini, siluet formlar, akıcı fırça işçiliği ve yatay kompozisyonlar aracılığıyla İngiliz izleyicilere tanıtmıştır.
“Noktürn” başlığı, geceden esinlenen bir müzik bestesine atıfta bulunur. Whistler, resim ve müzik arasında derin bir bağ olduğunu düşünerek, resimlerine müzik formlarının isimlerini vermiştir. Whistler’ın, sanatın bağımsız olması gerektiği ve duyusal doğasına vurgu yapması gerektiği savunusu, Alman Dışavurumcu ressam Wassily Kandinsky üzerinde etkili olmuş ve Kandinsky, Whistler’ın fikirlerini genişleterek müzik kadar soyut imgeler yaratmıştır.
Dante Gabriel Rossetti, La Ghirlandata
“La Ghirlandata” genellikle “aşk ve güzelliğin vücut bulmuş hali” olarak yorumlanır. Rossetti’nin önceki Ön-Rafaelit resimlerinden farklı olarak, bu eser sanatçının duygusal evresini ve Estetik akım ressamlarıyla ortak olan yumuşak çizgileri yansıtır. Dengeli ve simetrik bir kompozisyona sahip olan resimde, merkezde bir kadın narin bir şekilde arp çalmaktadır. Figür, akan perdeler ve çiçekli bitki katmanları altında gizlenmiştir. Kadının narin yüz hatları, üstteki iki melek yüzünde yankılanır. Canlı ve uyumlu renk paletinde, elbisesinin yeşili yapraklarla karışarak sıcak ten tonlarını ve kızıl saç buklelerini ortaya çıkarır.
Ana figürün modeli, Rossetti’nin sık sık resmettiği Alexa Wilding’dir. Wilding’in belirgin gözleri, dudakları ve gür kızıl saçları, eserin duygusallığını artırır. Viktorya dönemi İngiltere’sinde cinsel ahlaksızlıkla ilişkilendirilen gür kumral saçları, Rossetti tarafından güzel ve çekici olarak vurgulanmıştır. Rossetti’nin kızıl saçlı güzelleri, Estetizm’in önemli motiflerinden biri haline gelmiş ve saçlarını kınayla boyamak moda olmuştur.
Christopher Dresser, Demlik
Bu demlik, Christopher Dresser’ın 1878-1879 yılları arasında Estetizm tarzda tasarladığı birçok demliğin bir örneğidir. Temiz hatları ve köşeli yapısıyla, geleneksel Viktorya dönemi tasarımlarına zıtlık oluşturur. Dresser, ev eşyalarının endüstriyel tasarımının önemli olduğunu ve bunun modaya uygun ve sanatsal bir şekilde başarılabileceğini gösterdi. Metal işleri, Bauhaus’un modern tasarımlarının öncüsü olarak kabul edilir.
Dresser, Japon sanatı ve tasarımına özel ilgi duymaktaydı ve bu ilgi, demliğin sadeliğinde, geometrik şekillerinde ve abanoz sapında da görülebilir. William Morris ve diğer Estetizm tasarımcılar gibi, her alana güzellik ve iyi pratik tasarım getirmeyi amaçlamıştır. “İşlevsel olan nesnelerimiz olsun, ama bunlar aynı zamanda güzel de olsun” sözünü benimseyerek, Estetizmi orta sınıfın evlerine getiren en etkili tasarımcılardan biri olmuştur.
Edward Burne-Jones, Altın Merdivenler
Burne-Jones’un Estetik hareketin ideallerine en çok uyan resmi olan “Altın Merdivenler”, 1880’de Grosvenor Galerisi’nin sergisi için yaratılmıştır. Sanatçının diğer eserlerinde sıkça bulunan anlatı içeriği ahlaki mesajlardan uzak, tamamen estetik temelli bir kompozisyon sunar. Zarif bir şekilde kıvrılan merdivenlerde, klasik elbiseler giymiş uzun ve ince figürler yer alır. Bu figürler, müzik notalarına görsel bir gönderme olarak, ritmik olarak farklı müzik aletleri taşır.
Burne-Jones, Ön-Rafaelitizm ve Estetizm arasındaki köprüyü kuran önemli bir figürdü ve bu resimde her iki hareketin değerlerini yansıtır. Altın Merdivenler’in edebi bir kaynağı yoktur ve subtil, uyumlu renk paleti ile karmaşık anlatı veya ahlaki içerikten yoksundur, bu da Estetizmin temel özelliklerindendir. Uzun ve ince boyutları, resmin dekoratif bir duvar panelini andırmasını sağlar.
Albert Moore, Sesli Okuma
Albert Moore’un resimleri sıklıkla dinlenme anlarında, ayrıntılı drapeli klasik tarzda elbiseler giymiş kadınları tasvir eder. Bu örnekte, iki kadın, başka bir kadının kitap okumasını dikkatle dinlerken lüks döşenmiş bir kanepede yaslanmış durumda. Atmosfer, Viktorya döneminin güvenlik ve ahlak standartlarına uygun, yarı egzotik bir ortamda tembellik ve rahatlamayı yansıtır. Sahne, tamamen dekoratif olan yassı ve çizgisel kompozisyonun etkisi ile hiçbir anlatı ivmesi içermez. Moore, sahnelerini öncelikli olarak dekoratif yapmak yerine bitirdikten sonra adlandırma eğilimindeydi.
Klasik sanattan, özellikle British Museum’daki Elgin Mermerleri’nden ilham alan Moore’un resmi, herhangi bir belirli antik kaynağın tekrarı değildir. Sanatçı, hoş bir görüntü yaratmak için yalnızca ihtiyaç duyduğu unsurları ödünç almıştır. Bu anlamda, klasikçilik Estetizm tarafından aşılır. Tarihsel doğruluk veya dramatik anlatımla ilgilenmeyen sanatçı ton uyumu ve estetik etkiye odaklanmıştır. Moore, kıvrımlı kumaşları tasvir etme konusunda özellikle ilgileniyordu. Bu sahnedeki kumaş çeşitliliği onun ince renk, hareket ve dokusal varyasyonlar yaratma ustalığını gösterir. Moore, böyle klasik imgelerle üne kavuştu ve bu temayı Estetik sanat içinde kurarak, hareketin ilham kaynağını sanatçının görsel olarak çekici bulabildiği her yerde bulma eğilimini yüceltti.
Lord Frederic Leighton, Psyche’nin Banyosu
Klasik sanata hayran olan Frederic Leighton, Psyche’yi Cupid ve Psyche efsanesinden popüler bir hikayeden alarak, antik Yunan heykeli Venüs Callipyge’nin (MÖ 300’e kadar yapılmış) pozunu benimseyerek tasvir eder. Figür, banyosundan önce soyunuyor gibi görünür ve aşağıdaki sudaki kendi yansımasına kapılmıştır. Psyche’nin aynalı yansımalarla ilişkisi, Aestheticizmin görsele olan vurgusuna ve özellikle ideal güzelliğe olan takdirine işaret eder.
Leighton, Psyche’nin Banyosu gibi resimleriyle Viktorya dönemi İngiltere’sinde çıplak figür türünü yeniden canlandırdı. Viktorya döneminin tutuculuğu ve cinsel ahlak kaygısı nedeniyle, 1850’ye kadar ideal çıplak figür büyük ölçüde Britanya sanatından kaybolmuştu. Leighton ve Aesthetic arkadaşlarının resimlerindeki çıplak figürlerin yeniden ortaya çıkışı, 1880’lerde ahlaki öfke ve ateşli kamu tartışmalarına yol açtı. Ahlaki uygunluk tehdidinin ötesinde, Leighton’un çıplak figürleri, idealden ziyade gerçek kadın formuna benzerlikleri ve balmumu gibi, soluk görünümleri nedeniyle de eleştirildi.
Kaynakça:
smarthistory.org/the-aesthetic-movement/
www.theartstory.org/movement/aesthetic-art/
www.theguardian.com/artanddesign/2011/mar/26/aestheticism-exhibition-victoria-albert-museum
www.theartsdesk.com/visual-arts/cult-beauty-aesthetic-movement-1860-1900-va
